Allons au cinéma

[Darth Nico]

J'ai encore acheté 3 dvd ajd sin city, 6ème sens et le guepard, faut vraiment que je mette plus les pieds dans une fnac moi

Un film avec Alain Delon, dans lequel joue aussi Alain Delon. Avec en vedette Alain Delon, dans cette oeuvre qui repose sur la performance de Alain Delon.







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1970


Five Easy Pieces (1970, de Bob Rafelson, avec Jack Nicholson, Karen Black). Robert est ouvrier sur un champ de forage pétrolier. Harassé par son travail, il s'en va brusquement. Il apprend alors par sa soeur que leur père est malade. Il accepte de remonter dans le nord pour le voir. Il emmène avec lui son amie, une petite serveuse nunuche qu'il traite avec dédain. Les retrouvailles avec sa famille, très bourgeoise, seront pour lui un moment crucial.
Le héros est un déclassé : ex-pianiste prometteur parti à la dérive, à l'aise dans aucun milieu, il se montre incapable d'aimer qui que ce soit. L'horizon vers lequel se dirigent les personnages n'est pas un Eldorado, mais la froidure de l'état de Washington et les étendues glacées de l'Alaska. Premier rôle de lunatique pour Jack Nicholson, dans un très bon drame, qui nous offre une vision désenchantée de la Californie et des années 70.


Zatôichi To Yôjinbô (1970, de Kihachi Okamoto avec Shintarô Katsu et Toshiro Mifune). 20ème opus de la série : Zatoichi retourne dans un village qu’il a aimé et se trouve engagé par un gros commerçant. Mais le clan adverse compte dans ses rangs un rônin râleur et cynique, lui aussi virtuose du sabre. Les deux hommes vont-ils devenir amis ou bien s’affronter ?
On retrouve l’acteur-fétiche de Kurosawa, Toshiro Mifune, qui reprend le rôle célèbre qu’il a tenu dans Yojimbo et Sanjuro, pour une confrontation entre deux gloires du film de shambara. Il y a quelques longueurs au milieu, mais la fin, très théâtrale, est marquante.


Le cri du cormoran le soir au-dessus des jonques (1970) et Comment réussir quand on est con et pleurnichard (1974) de Michel Audiard : à chaque fois, une brochette d'une dizaine d'acteurs connus, lâchés dans une histoire invraisemblable, font comme ils peuvent pour donner un peu de consistance à leurs personnages. Quelques bons mots ici et là, mais l'ensemble est bâclé : décors laids, montage cahoteux, scénario paresseux, on dégringole vite du nanar sympathique au navet. Audiard fait mine de se moquer de ses misérables personnages (chômeur turfiste, petits patrons vulgaires, représentant de commerce minable) mais au fond, il flatte plutôt bien le spectateur dans sa mesquinerie.


Zabriskie Point (1970, de Michangelo Antonioni). Des étudiants occupent une université. La police les fait sortir à coups de gaz lacrymogène. Un étudiant est pris par erreur pour le meurtrier d'un des policiers. Il s'enfuit avec un petit avion vers Zabriskie Point, un point de vue spectaculaire à l'entrée de la Vallée de la Mort. Il y rencontre une étudiante, qui cherche à fuir son quotidien ennuyeux. Ils partent dans le désert et y font l'amour, parmi des dizaines d'autres couples.
Le film montre une tentative pour fuir la société américaine, et l'échec de cette fuite. Des images très fortes, déroutantes. Un film pour le moins étrange, voire fascinant.


Get Carter (1971, de Mike Hodges, avec Michael Caine). Le jour où son frère meurt d’un accident, le gangster Londonien Jack Carter part à Newcastle assisté à son enterrement. Bientôt, il soupçonne son frère d’avoir été assassiné. Il va mener une enquête qui va se transformer en une vengeance sanglante…
Des personnages affreux, sales et méchants ; une histoire qui évolue entre les décors des bas-fonds de la ville et les immeubles décrépis ; l’érotisme est sordide, la violence crue et sale. Michael Caine dans un de ses meilleurs rôles : après avoir joué un truand sympathique dans The Italian Job, l’acteur passe du côté obscur pour incarner un vrai salaud.


Trafic (1971, de et avec Jacques Tati). M. Hulot est dessinateur pour la société automobile Altra. Il est chargé de convoyer un camping-car expérimental pour le salon d'Amsterdam. Il va subir tous les accidents que l'on peut avoir sur la route...
Après l'échec commercial de Playtime, Tati revient est contraint à un budget bien plus restreint. Du coup, l'histoire revient à échelle humaine. Tati se fait l'observateur satirique des années Pompidou et de la civilisation de la bagnole. La réalisation est plus limitée, mais les gags n'ont jamais été aussi réussis (en particulier une scène de carambolage qui est un sommet du burlesque) et il y aurait (presque) des dialogues et une intrigue.
La fin annonçait peut-être un prochain film consacré au métro, qui n'a jamais vu le jour. A noter le jeune policier qui pourrait être le frère jumeau de Tintin.


Klute (1971, d'Alan J. Pakula, avec Jane Fonda, Donald Sutherland). Dans une province américaine, un homme disparaît. Le détective privé qui part à sa recherche n'a qu'une seule piste : une call-girl de New-York.
L'intrigue tient du film noir (crime, suspens, relation trouble entre le détective et la prostituée), du drame psychologique (la prostituée en quête d'identité, le détective dont on ne sait presque rien) et à quelques moments, frôle la comédie romantique. Il s'agit avant tout d'un bon thriller, le premier du réalisateur, qui s'est fait un nom par la suite dans l'intrigue politique paranoïaque. Le film joue avec talent des rapports et des décalages entre l'image et le son : bandes magnétiques jouées en gros plan, même enregistrement qui repasse plusieurs fois.
Beaucoup de talent à tous les niveaux, une ambiance épaisse, une intrigue qui sait éviter beaucoup de clichés et quelques images fortes.


Bananas (1971, de et avec Woody Allen). Un contrôleur de produit décide de quitter New-York après une rupture amoureuse. Il part dans la république bananière du San Marcos, en proie à la révolution. Il se retrouve enrôlé dans le camp des rebelles...
Comédie farfelue, ce deuxième film de Woody Allen est plutôt une suite de sketchs, avec une trame minimale pour lier le tout. Se regarde sans déplaisir, bien qu'on n'y aperçoive pas ce qui fera plus tard le génie du cinéaste.


Vanishing Point (1971, de Richard C. Sarafian, avec Barry Newman). Kowalski fait le pari qu’il peut relier Denver à San Francisco en moins de quinze heures. Il part à tombeau ouvert sur la route, à bord de sa Dodge Challenger 1970, shooté aux amphétamines. Après avoir provoqué un accident et dépassé toutes les limitations de vitesse, il est pris en chasse par la police, et sa course contre la montre se transforme en course contre la mort…
Un pilote renfermé et dingue, un DJ Noir en transe, une fille nue sur sa moto dans le désert : toute une ambiance… Magnifiques paysages du Colorado et du Névada. On est quelque part entre Zabriskie Point, Easy Rider et Mad Max. Un petit film culte de la contre-culture de l’époque, entre illusions et désespoir.


Giù la testa (1971, de Sergio Leone, avec Rod Steiger, James Coburn). Au Mexique, un bandit de grand chemin s'associe avec un expert en explosif, ex-membre de l'IRA. Ensemble, ils sont entraînés dans la révolution menée par Pancho Villa.
Après Il était une fois dans l'ouest, qui était comme le dernier western, Leone montre une révolution sans espoir. Nous sommes dans l'après-western : le 20e siècle entre dans la barbarie de masse. Le film est lent à démarrer mais Leone nous tient en haleine par une réalisation toujours superbe. Une épopée sombre et baroque.


The Organization (1971, de Don Medford, avec Sidney Poitier). Dernier volet de la trilogie du policier Virgil Tibbs, qui fait suite à In The Heat of the Night et They call me MISTER Tibbs ! Le premier film est un grand classique, sur le racisme du sud des Etats-Unis. Le deuxième est un téléfilm correct, sans plus, qui a juste pour intérêt d'être un précurseur du style blaxploitation. Dans ce troisième opus, situé à San Francisco, un groupe de jeunes révolutionnaires entrent de nuit dans une entreprise pour y voler de l'héroïne. Ils ignorent qu'ils se sont attaqués à l'Organisation...
Un peu meilleur que le deuxième (de bons acteurs pour un scénario convenu), l'ambiance de ce troisième épisode annonce plutôt Dirty Harry.


Dirty Harry 1 à 5 (1971-1988) : Le premier est bon ; réalisé par Don Siegel, qui a fait aussi Bullitt. On découvre Harry, le flic à qui on confie les sales boulots et qui envoie paître sa hiérarchie. Les 2, 3 et 4 se laissent regarder avec plaisir : on y découvre les lieux les plus célèbres de San Francisco (Golden Gate, rues en pente, Alcatraz, Coit Tower...). Cynique et sans un mot de trop. Harry arrête un braquage de café par épisode, en tuant tout le monde ; et ses partenaires finissent à l'höpital ou à la morgue. Clint réalise lui-même le 3. La réplique célèbre "Come on, make my day !" se trouve en fait dans le 4. Le 5 est en-dessous : il y a quand même Jim Carrey en chanteur punk 80's et Liam Neeson en réalisateur de séries Z d'horreur. A noter aussi, une parodie de la poursuite de Bullitt, avec une voiture télécommandée explosive ! Mais il était temps d'arrêter, tout virait à l'auto-parodie. Par ailleurs, en 1988, tous les grands films de Clint étaient à venir...


Tout le monde il est beau, tout le monde il est gentil (1972, de Jean Yanne, avec Jean Yanne, Bernard Blier, Michel Serrault, Jacques François, Daniel Prévost, Paul Préboist). De retour d'un reportage chez des rebelles en Amérique du Sud, Gerber découvre que sa radio a décidé de tout axer sur la religion. A l'antenne, il dénonce joyeusement cette nouvelle stratégie commerciale. Il est rapidement licencié. Peu après, le directeur choisit de le reprendre et de lui confier les pleins pouvoirs. Gerber décide de faire une radio enfin honnête avec l'auditeur. Mais peut-on impunément dire la vérité aux gens ?...
Une satire dans l'esprit libertaire et râleur de Jean Yanne. Le ton bon enfant, soixante-huitard devient sur la fin du film grinçant. On peut penser à Molière dénonçant l'hypocrisie des faux dévôts. Bonne réalisation, des acteurs qui ont un plaisir visible à être là. Très bon rythme, avec plusieurs parties chantées, qui rapprochent le film de la comédie musicale.


Sleuth (1972, de Joseph L. Mankiewicz, avec Michael Caine, Lawrence Olivier). Un vieil écrivain très riche invite dans son manoir l’amant de sa femme. Il compte la lui laisser, mais pas sans lui avoir fait subir plusieurs épreuves. Au début, cela n’a l’air que d’un jeu, mais peu à peu, l’écrivain entraîne son invité dans son délire, qui cache en fait un plan criminel... Qui joue vraiment avec qui ?

Dernier film du réalisateur, qui met en scène l’affrontement de deux hommes prêts à aller jusqu’au bout, entraînés dans un mortel jeu du chat et de la souris. A la rivalité amoureuse, s’ajoute la différence de classe : l’un est Britannique de souche, l’autre est fils d’immigrés. Le vieil écrivain, qui confond la réalité et la fiction, et voudrait jouer avec son invité comme l'auteur avec un personnage, fait face au jeune arriviste, qui connaît les réalités de la pauvreté et de l'échec social.
Michael Caine donne tout ce qu'il a pour être à la hauteur face à Lawrence Olivier.
Leur confrontation se passe à huis-clos, au sein d’un manoir baroque rempli de jeux de sociétés, de meubles, de poupées et de mannequins grotesques et inquiétants. Mankiewicz entrecoupe les scènes avec ses deux acteurs d’inserts sur les mannequins, comme pour nous montrer que ses héros ne sont eux-mêmes que des pantins, et que cette maison n’est qu’un théâtre.
Très grand film, à voir sans hésitation.


Moi y’en a vouloir des sous (1973, de Jean Yanne, avec Jean Yanne, Bernard Blier, Michel Serrault, Jacques François, Daniel Prévost, Nicole Calfan, Paul Préboist). Benoît Lepape, conseiller financier, est renvoyé pour avoir refusé de couvrir une opération malhonnête. Il propose une combine à son oncle, dirigeant syndical : que le syndicat investisse dans des entreprises modernes et très rentables, pour subvertir le système capitaliste de l’intérieur. C’est un succès inespéré et bientôt, Lepape se retrouve dirigeant du syndicat des patrons, tout en étant officieusement au service des travailleurs…
Une farce comme seul Jean Yanne savait les mener. Patrons filous, syndicalistes couillons, féministes enragées, curés arrangeants, gauchistes des beaux quartiers… Personne n’est épargné dans cette satire, où les situations les plus invraisemblables se succèdent, comme lorsqu’une grève est déclarée pour obliger le patron à rester à la tête de la boîte… Le titre à lui seul vaut bien tout Marx, puisqu’en somme, ce qui fait tourner le monde, nous dit l’auteur, c’est que les gens veulent juste gagner de l’argent.


Sleeper (Woody et les robots) (1973, de Woody Allen, avec Woody Allen, Diane Keaton). Miles Monroe, vendeur de produits bio, doit subir une petite opération. Contre son gré, il est congelé et se réveille deux siècles plus tard, en 2173. Les scientifiques qui l'ont sorti de son sarcophage sont des rebelles qui veulent détruire le gouvernement totalitaire en place. Ils comptent utiliser le lâche et névrotique Miles, car il est le seul à n'avoir pas de fichier biométrique...
Une bonne comédie, bien rythmée, qui parodie quelques classiques de la SF. Satire des milieux de la bourgeoisie branchée. Des poursuites trépidantes à la Charlot. Premier film vraiment bien composé de Woody Allen, plus réussi que Bananas (1971), mais bien inférieur à Annie Hall (1975).


Serpico (1973, de Sidney Lumet, avec Al Pacino). L’histoire vraie d’un policier célèbre pour avoir refusé de tremper dans la corruption de la brigade des stups et l’avoir ensuite dénoncée... à ses risques et périls.
Un petit classique du genre, qui montre le New-York des années 60-70 avec réalisme : l’inspecteur Serpico fut en effet un des premiers à s’être immergé dans les milieux hippies pour les besoins de ses enquêtes. Presque un documentaire sur l’époque, avec une mise en scène solide et une bonne intrigue.


F for Fake (1973, d’Orson Welles, avec Orson Welles, Oja Kodar, Elmyr de Hory). Documentaire sur la tromperie et l'illusion : Orson Welles nous raconte l'histoire du plus célèbre faussaire d'art, Elmyr de Hory, connu pour ses copies parfaites de tableaux de maîtres. Hory raconte comment les marchands d'art se laissaient prendre à ses copies... puis comment ils s'enrichissaient sur son dos.
Ensuite, Welles digresse : on le voit manger à la Méditerranée, place de l'Odéon à Paris ; il nous parle de sa carrière, de son faux reportage sur l'invasion des Martiens ; de Picasso, de la cathédrale de Chartres. Il se demande ce qui restera du monde quand tout aura disparu puis, devant nous -honnêtes gens et autres- il tire déjà sa révérence.

Film expérimental, dans le genre qu'on s'imagine être celui de Godard (intello, artiste et inaccessible), mais sans aucun hermétisme ni aucune attitude prétentieuse. Montage virtuose, extrêmement rapide, construction à la fois simple et étourdissante : Welles le prestidigitateur nous séduit une fois de plus, pour mieux nous tromper. Dans ce dernier film, le réalisateur entamait encore une fois une révolution de son propre art, de la manière même de raconter une histoire et de faire un film. Un pur bonheur de cinéma, tour à tour drôle, méditatif et sublime, comme seuls savent nous en offrir les grands génies.


The Sting (1973, avec Robert Redford et Paul Newman) : Deux escroc, un jeune et un vétéran, montent une énorme arnaque contre un banquier qui a fait assassiner un ami à eux. Poker, courses de chevaux, bluff et retournements de situation, sur la musique rag-time de Scott Joplin. Un grand classique, un film magique.


The Taking of Pelham One Two Three (1974, Joseph Sargent, avec Walther Mattau, Robert Shaw, Martin Balsam). Quatre hommes prennent en otage une rame de métro dans le centre de Manhattan. Ils exigent un million de dollars dans l’heure…
Un bon petit thriller à l’ancienne. Vu en VF malheureusement, avec des doublages qui donnent au film un cachet franchouillard.


Parade (1974, de et avec Jacques Tati). Dernière réalisation du cinéaste, ce téléfilm met en scène Tati en monsieur Loyal d'un cirque burlesque et loufoque. Les numéros se succèdent et le public est entraîné dans l'univers féérique des jongleurs, acrobates et musiciens. Tati lui-même fait plusieurs numéros de mime (le tennisman, le boxeur, le policier à la circulation...). Encore une perle, pour quitter sur une note joyeuse l'univers d'un artiste unique.


The Parallax View (1974, de Alan J. Pakula, avec Warren Beatty). Un homme politique est assassiné par un serveur lors d'une réception. Une commission officielle conclut à un acte isolé. Mais dans les trois ans qui suivent, d'autres personnes présentes ce jour-là trouvent la mort dans des accidents. Un journaliste finit par être convaincu qu'un complot est à l'oeuvre.
La parallaxe est le fait que l'objet observé est affecté par la position de l'observateur. Tous les évènements du film sont-ils des coïncidences ou bien y a-t-il une conspiration toute puissante qui tue méthodiquement des gens ? Mais dans quel but ?
Un bon thriller, qui distille une ambiance lourde et paranoïaque.


Murder on the Orient-Express (1974, de Sidney Lumet, avec Albert Finney, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Sean Connery, Jacqueline Bisset, Jean-Pierre Cassel, Anthony Perkins). Hercule Poirot se trouve dans l'Orient-Express la nuit où un crime est commis à bord. Tous les passagers sont potentiellement suspects mais notre détective Belge ne va pas s'en laisser compter...
Un casting all-star pour une galerie de personnages bien typés : la servante, le colonel, la vieille aristocrate, le jeune couple... L'acteur qui joue Poirot lui donne un drôle de faux accent Belge, mais il est physiquement très fidèle au héros du livre. Anthony Perkins a un rôle assez proche de celui qu'il jouait dans Psychose : un jeune homme instable... On joue sur du velours du début à la fin.


The Conversation (1974, de Francis Ford Coppola, avec Gene Hackman). Un spécialiste free-lance des écoutes enregistre la conversation d'un couple sur une place publique, pour le compte du mari trompé. Il s'aperçoit alors que ce couple est peut-être en danger de mort.
Un très grand film, lent et dur, construit autour de l'écoute répétée de cette conversation, qui plonge dans la solitude du héros et nous montre sa descente dans la culpabilité. Il comprend qu'il ne peut rester indifférent face à ce qui se passe, alors même que toute son éthique professionnelle suppose le détachement. La banalité des images rend l'atmosphère de plus en plus fantastique, et les sons de plus en plus effrayants.


Love and Death (1975, de Woody Allen, avec Woody Allen, Diane Keaton). Le jour où la France envahit la Russie, le névrotique et lâche Boris doit aller combattre comme tous les vrais hommes. Après bien des mésaventures, il arrive à séduire la cousine qu'il aime depuis toujours et ensemble, ils montent un plan pour assassiner Napoléon.. Entre temps, ils dissertent de la morale, de l'amour, de la mort et du sens de la vie.
Le film tient autant de la parodie que de l'hommage à la littérature russe (la guerre comme dans Tolstoï, les grandes discussions métaphysiques à la Dostoïevski) et au cinéma d'Ingmar Bergman. Amusant, très décalé mais à réserver aux amateurs.


The Man Who Would Be King (1975, de John Huston, avec Sean Connery, Michael Caine, Christopher Plummer). En Inde, deux anciens soldats britanniques, devenus des escrocs à la petite semaine, comprennent qu'ils sont devenus indésirables sur le territoire. Les deux aventuriers sans scrupules partent dans une folle expédition à travers l'Afghanistan. Persuadés de marcher dans les pas d'Alexandre le Grand, ils bravent les sommets et entrent dans les régions enclavées du Kafiristan, dont ils comptent bien devenir rois, après avoir soumis les différentes tribus locales...
L'expédition des héros tient autant de l'épopée que du grand-guignol : parades et batailles ressemblent à des numéros de cirque. Leur prise de pouvoir n'est elle-même qu'une énorme escroquerie. Deux rôles exceptionnels pour les acteurs principaux. Un très grand film d'aventure, sur la démesure des hommes.


Hard Times (1975, de Walter Hill, avec Charles Bronson, James Coburn). Dans les années 30, Chaney arrive à la Nouvelle-Orléans dans un wagon de marchandises, avec 6 dollars en poche. Il entre dans le milieu des combats clandestins pour gagner un peu d'argent rapidement. Il s'associe avec l'aide de Speed, un manager qui peut lui trouver des matchs. Mais une fois entré dans ce milieu, difficile d'en sortir...
Une ambiance rétro, dans les bas-fonds de la ville. Le personnage de Bronson, prolo à la dérive qui ne dit jamais un mot de trop, s'oppose à celui de Coburn, élégant et beau parleur. Duo réussi pour un film d'hommes.


Chobizeness (1975, de Jean Yanne, avec Jean Yanne, Robert Hirsch, Catherine Rouvel). Les affaires ne vont pas fort pour Clément Mastard, directeur de music-hall. Cynique et roublard, il trouve un financement auprès d'une grosse compagnie d'acier. Devant l'insuccès de la pièce, il fait appel à un musicien génial et méconnu. Il risque alors la ruine pour offrir enfin le chef d'oeuvre de sa carrière. Mais on ne se compromet jamais impunément avec les marchands de canons...
Scène hilarante où le directeur, pour complaire aux patrons de l'Acier, accepte de monter une chorégraphie à la gloire du bazooka. Une farce extrêmement cruelle sur le monde du show-bizness : une satire soixante-huitarde de l'après mai 68. Jean Yanne révèle de plus un talent pour le grotesque et le bizarre (porno vampirique), qu'il peut faire voisiner avec une messe de Bach. Son film tend au spectacle total, opéra où le plus vulgaire voisine le sublime.


French Connection 2 (1975, de John Frankenheimer, avec Gene Hackman, Fernando Rey, Bernard Fresson, Philippe Léotard). Après avoir mis à bas la french connection de New-York, le détective "Popeye" Doyle part à Marseille pour mettre la main sur le chef du trafic. Il va se heurter à la mauvaise volonté de la police française. La belle cité phocéenne n'est manifestement pas prête pour les méthodes à l'Américaine de Popeye...
Suite bien faite, quoiqu'inférieure au premier. Le film est plus que correct, grâce à la composition de Gene Hackman, toujours très bon. Des longueurs au début mais une très bonne poursuite finale.


The Network (1976, de Sidney Lumet, avec William Holden, Faye Dunaway, Peter Finch, Robert Duvall). L'audience de la chaîne américaine UBS est en chute libre. Son présentateur-vedette, qui vient de perdre sa femme et sombre dans l'alcool, va être renvoyé. Le jour où il annonce qu'il va se suicider en direct une semaine après, les audiences remontent. La chaîne décide de garder le présentateur, qui se met à délirer totalement.
Une satire cruelle du monde de l'audimat, de la vanité et du toc. Faye Dunaway est très bien en jeune arriviste qui va affronter les cadres vieillissants de la chaîne. Avide de pouvoir, elle est elle-même incapable de sentiments et conçoit sa vie comme une série télé. Beaucoup de très bons acteurs. Quelques scènes impayables, dont celle où la chaîne négocie des contrats avec un mouvement Afro-Révolutionnaire.


The Killing of a Chinese Bookie (1976, de John Cassavetes, avec Ben Gazzara). Le patron d'un cabaret minable est obligé, pour rembourser ses dettes de jeu, d'aller assassiner un bookmaker chinois.

Si le scénario est volontairement du déjà-vu, la réalisation est unique en son genre : on approche au plus près des personnages (utilisation quasi-permanente du gros plan), de leurs respirations et du moindre mouvement de leurs visages, comme pour rentrer dans leur peau. Les plans tremblent, les images font sales, pas léchées du tout et sont en même temps extrêmement précises. Tout le film baigne en fait dans une ambiance poisseuse : on peut presque sentir l'odeur du tabac et du mauvais alcool servi dans le cabaret, pendant le spectacle de strip-tease ringard.
Excellente prestation de Ben Gazzara, qui campe un personnage à la fois trop sûr de lui et faible, un peu crapuleux mais en même temps attachant et fragile. Un film aussi déroutant que fascinant.


All The President's Men (1976, de Alan J. Pakula, avec Robert Redford, Dustin Hoffman). Le film sur le scandale du Watergate : comment deux journalistes de Washington mettent au jour les écoutes du siège des Démocrates sur ordre de Nixon. Un bon film politique comme savent les faire les Américains.


Annie Hall (1977, de Woody Allen, avec Woody Allen, Diane Keaton). Alvy Singer est un humoriste juif de Brooklyn. Il est névrosé, parano, complexé, un peu chauve, obsédé par les femmes, de gauche et nihiliste. Il nous raconte ses relations amoureuses chaotiques et toujours vouées à l’échec.
Une comédie très drôle tout du long, avec un Woody Allen à son meilleur niveau, qui laisse libre cours à sa fantaisie pour raconter toutes les turpitudes de son personnage.


The Wild Geese (1978, d'Andrew McLagen, avec Richard Burton, Roger Moore). Un groupe de mercenaires est envoyé dans une république africaine pour libérer un opposant. Ils exécutent leur mission mais ils sont alors trahis par leur employeur.
The Expendables, version réaliste. Bon film.


Death on the Nile (1978, de John Guillermin, avec Peter Ustinov, Jane Birkin, Mia Farrow, Bette Davis, David Niven). Hercule est en croisière sur le Nil, le soir où une riche héritière est assassinée. Tous les passagers ont l'air d'avoir un alibi mais cela ne suffira pas à égarer la méfiance du plus têtu des enquêteurs Belge...
L'histoire est un vrai voyage touristique, avec les sites les plus somptueux d'Egypte, les Pyramides, le Sphinx, le temple d'Abou Simbel... Mia Farrow est excellente en jalouse au bord de la crise de nerf. Un très bon divertissement.


I comme Icare (1979, de Henri Verneuil, avec Yves Montand). Après l'assassinat du président de la République, une commission d'enquête est mise en place. Elle conclut à la thèse du tireur isolé. Seul un procureur refuse d'y croire et reprend l'enquête depuis le début. Son investigation va le mener vers les sommets de l'État et, comme Icare, il risque bien de s'y brûler les ailes...
Le film se déroule dans un pays fictif, gris et déshumanisé comme l'Alphaville de Godard ou le Paris de Playtime de Tati. L'histoire transpose bien sûr l'assassinat de Kennedy et s'élargit sur une mise en scène de la soumission à l'autorité, avec la reconstitution détaillée de la fameuse expérience de Milgram. Un très bon thriller.


Escape from Alcatraz (1979, de Don Siegel avec Clint Eastwood). Reconstitution précise de la seule évasion ayant réussi à Alcatraz. Un bon film, dans un style style sec et réaliste, typique du réalisateur, avec peu de dialogue, peu de musique.


Caligula (1979, de Tinto Brass, avec Malcolm McDowell, Peter O’Toole, Helen Mirren). L’histoire de Caligula, l’empereur fou qui nomma son cheval consul. Sa folie, ses débauches, ses crimes, et sa mort tragique.
Plusieurs têtes d’affiche pour une superproduction « pharaonique » qui tient autant du film que de l’opéra. Esthétique érotique kitsch très soignée pour peindre la décadence de Rome, au travers des mises en scène de Caligula : tableaux humains, jeux du cirque délirants, palais entiers voués à la débauche. Mais cet enchaînement répétitif de violence, de cruauté et de lubricité… finit par lasser. J'ai sauté pleins de scènes.
A noter qu’il existe une version porno, tournée par le réalisateur sans le consentement des acteurs (il s’est contenté de rajouter des « inserts »).


The First Great Train Robbery (1979, de Michael Crichton, avec Sean Connery, Donald Sutherland). Londres en 1855 : deux gentlemen cambrioleurs montent un coup inédit : le vol d'un chargement d'or à bord d'un train en marche.
Le film a un certain charme rétro, et tient sur les épaules de ses deux acteurs principaux, excellents en élégantes et cyniques fripouilles.